«A cross between Pink Floyd and Black Sabbath»: a chat with Frank Schilbach about Port Nasim’s new album, “It’s Murky Grey”

Q: Hello, Frank! Your new album as Port Nasim, “It’s Murky Grey”, touts a mixture of guitar-heavy alternative rock and 70s prog-rock. How did you come to cross 2 genres where one is often almost hated by the fans of the other?
A: My own musical upbringing! The first concert I attended was AC/DC on the “Highway to Hell tour”, the second one was Jethro Tull… I always liked big guitars but was also very much attracted to the complex structures of Yes, Rush, Jethro Tull, early Genesis… When asked for the idea of the band’s direction I often answered (only half-joking) “A cross between Pink Floyd and Black Sabbath”. But do you realize how many now admit that they love Jethro Tull and Rush while they’re playing straightforward hardcore?

Q: Did the project’s sound change notably upon shifting to more of a solo project in 2019?
A: Definitely! It was a power trio approach, before. A real band idea. We aimed to be able to play everything with just the 3 of us (ok, the 2 of us with ever-changing drummers…). The songs were arranged to have 3 busy guys replicating the full sound also live. With MIDI keyboards triggered by footswitches, limited backing vocals and single guitars. Very rooted in the alternative rock sound of the late 80s to early 90s. We played around with odd time-signatures but there was a strong limit of what we could do due to the narrow concept of wanting to be a band. I always found that something important was missing and that we were not really moving forward. It turned more into a project afterwards where I brought in many musicians (we have 8 different people playing on that album…), each one adding his talent, input and style. Now there are real keyboards, strings, layered guitars, a lot of backing vocals (male and female) and a much fuller production. There are a lot of odd meters and unconventional structures, parts that “don’t belong there”. Fully knowing that these songs will not work for a lot of people, even be no-go for many! Some will (and obviously do) really like the songs. For the rest the world is full of other music… The challenge now is to put together people to play shows (How many? Who?). And I can see where the music will probably go with the next album. I already have songs half-finished plus a shortlist of people I want to collaborate with! But it will be evenveen more open with additional instruments but also a few songs that will have the power trio only.

Q: What was the first album you heard that had a strong impact, either artistically or personally?
A: “Wish tou were here” by Pink Floyd: the strong lyrics, the long songs, the bluesy guitar in a more art-rock-environment. It is very crafted and constructed, yet very emotional. Important both for my musical developement and as a soundtrack for a period in my life. Still impresses me the same it did when I started to listen to it. And also the first record I bought with my own money.

Q: Do you have a specific process or ritual when creating new music?
A: No and yes… Most of the songs are born when I play acoustic guitar. Often with just half an idea for a riff or a chord progression in mind. Picking, strumming, riffing around with the ideas, taking them apart, putting them together. Music and singing often start at the same time. I always have lyrics finished that I often use to fiddle around with the melodies. Of course everything will sound very different from the first sketchy ideas and the lyrics get reworked, adapted and changed a lot. I always have to push things, structure the ideas, change the order… It is never the song “that composes itself”. Always a lot of work around moving it forward.

Q: Any favorite artists or albums you’re listening to at the moment?
A: I rediscovered Aphrodite’s Child. From the 60s but full of timeless beauty. Demis Roussus voice always give me goosebumps. And there is a Turkish musician living in Hamburg who always gets me: Sinan Cem Eroğlu! Apart from that I listen to a lot of classical soul music.

Q: What do you think about today’s music industry?
A: A lot of things obviously changed but many things didn’t. The average musician still seems to be clueless and there are countless (more than ever before) agencies that try to seperate you from your money by showing you the way through the jungle of today’s endless opportunites and possibilities. I don’t think that the golden days were in the vinyl years when everything seemed to be more clear. For many different reasons we face something today that we as young musicians dreamed about in the late 80s: Complete ownership, complete independence, complete control. I’d say there are never golden days but if I have to pick an era today is closer to the golden days than the 70s or 80s. It was easier to make money with your music if (and only if!) you were big back in these days. It’s easier now if you have a small but devoted fanbase. You have to connect with your audience and spend a lot of time on non-musical issues. But you can be really independent. Every niche has a fanbase, an outlet and bands. Lo-fi as well as math rock. The mainstream was always boring and today you have to be much better on your instrument than 30 years ago if you want to play a role in the mainstream. But if you want to settle in your punk niche: Go ahead! It’s there! I don’t have to make a living from my music so that’s all luxury judgement and advice. I enjoy playing live, I enjoy to write and record. The rest is a bonus. But I’m happy that the last record made an impact. Not really big in business terms but bigger than I expected. The dinosaur concept of an album with liner notes, artwork, thank-you lists and all! And many people like it, stream the music, ask for concerts, do reviews, play the songs on the radio.

Q: What does it mean to be an artist?
A: Creating something new out of nothing. Having nothing in the beginning and ending up with a fully arrangend song containing meaningful lyrics and great input from talented artists. It is never free-flowing, never a song that “composes itself”, there is always a working approach behind that I find really satisfying.

Q: What’s upcoming for the project?
A: To present it live! Find gigs to do an album release!

«Il nostro lato più intimo e il nostro lato più introverso»: intervista ai Blu21

D: Paolo Bottini e Sergio Guida, cioè, i Blu21: presentatevi ai nostri lettori e spiegateci anche come è stato scelto il vostro nome.
PAOLO: Ciao a tutti, io sono Paolo, suono qualsiasi cosa abbia un tasto.
SERGIO: E io sono Sergio, voce dei Blu21, e scrivo parole sulle musiche di Paolo.
R: Perché Blu21? Perché il blu è il colore dell’anima e 21 sono i grammi del suo peso: rer noi la musica è questo.

D: “Ricordami” è il vostro album d’esordio: come lo descrivereste?
R: È un lavoro che raccoglie il nostro lato più intimo e il nostro lato più introverso. Allo stesso tempo, però, è un album scritto senza paura di mostrare chi siamo veramente, in piena libertà. Senza filtri e senza vincoli.

D: “Rircordami” è nato durante il lockdown, lavorando a distanza: ci sarà modo di vedervelo suonare dal vivo, questa volta insieme, sullo stesso palco? E come sarà impostato il set live?
R: Speriamo proprio di si. Ora che è ripartita la musica dal vivo non vediamo l’ora di iniziare con i live. Stiamo preparando un set con più strumentisti.

D: Com’è stato lavorare a distanza? Come avete impostato il vostro lavoro? E che equipment avete utilizzato?
R: Lavorare a distanza è stata una forzatura, ma allo stesso tempo ci ha dato modo di lavorare con più calma. Di fissare bene le nostre idee personali prima di esporle all’altro e di conseguenza ad essere più riflessivi. Paolo si è creato uno studio a casa. Ha suonato di tutto e studiato di tutto per riuscire a dare un suono alla band. Poi passava a me il materiale anche durante il suo personale processo creativo, scrivevo il testo e la linea melodica. Ci confrontavamo e il pezzo prendeva forma. Eravamo distanti ma abbiamo sempre creato un filo continuo durante la stesura dei pezzi proprio per non perdere nessuna idea e soprattutto la vena creativa.

D: Prima dei Blu21 erano gli Underdose: cos’è cambiato, da allora, e come l’esperienza negli Underdose ha influenzato quella nei Blu21?
R: Siamo stati nella band 12 anni. È cambiato tutto. Mettere d’accordo 5 teste non era facile, sia a livello creativo, sia a livello gestionale. Ora siamo in due è tutto più semplice e a livello di empatia tra di noi non ci sono mai stati problemi. Il suono degli Underdose era troppo diverso per poter influenzare i Blu21. È veramente un progetto a sé, il nostro.

D: Parlateci di “1980”, brano che prende ispirazione dalla fantomatica espressione “Andrà tutto bene”, diffusasi durante il primo lockdown. E, alla fine, secondo voi, è andato tutto bene?
R: Si, parte tutto da quella frase. Non era la nostra situazione ma abbiamo immaginato come potessero vivere i vari lockdown e zone rosse le “coppie di fatto” che non vivevano nella stessa città o stessa regione. Diamo per scontato che chi si ama o i semplici affetti vivano tutti sotto lo stesso tetto, ma non è assolutamente così. Alla fine no…si spera ancora che vada tutto bene. O forse che vada tutto per il meglio.

D: Più in generale, di cosa parlano i vostri testi?
R: Delle nostre emozioni e del nostro vissuto , che poi non è certo diverso da quello di altri. L’album è, come dicevamo prima, un lavoro intimo e, di conseguenza, lo sono anche i suoi testi. Non abbiamo avuto paura di mostrare le nostre fragilità.

D: A livello musicale, invece, a quali artisti e scena vi ispirate, maggiormente?
R: Non siamo mai stati ragazzi da poster nella cameretta del nostro artista preferito. Abbiamo ascoltato e ascoltiamo di tutto.

D: Progetti attuali e futuri?
R: Adesso puntiamo a valorizzare “Ricordami” e a far capire alla gente che ci ascolta che può ritrovarsi nella nostra musica e nelle nostre parole. Il futuro sono i Blu21 e la musica che arriverà dopo questo album. Siamo solo all’inizio del viaggio ed è un viaggio on the road.

D: Salutate i nostri lettori.
R: Ciao a tutti. È stato un piacere parlare con voi. E che la nostra musica passi attraverso i vostre auricolari.

“Il mercato è veloce, velocissimo, e la musica non viene più ascoltata come prima”: intervista a Santo e Stone

D: Santo e Stone, due artisti che collaborano per dare vita all’album “Cronico”: ma chi sono Santo e Stone?
R: Siamo due amici che hanno fatto di questo progetto uno scopo.

D: Fate entrambi parte della crew Vero X Vero: parlatecene.
R: La Vero x Vero nasce da 5 amici che hanno un sogno comune, affermarsi nel mercato musicale. Siamo partiti nel 2020, nel pieno lockdown, ma questo non ci ha fermati anzi ci ha stimolati. Adesso abbiamo firmato il nostro primo contratto con un’ etichetta indipendente, Orangle Records, con la quale stiamo collaborando per l’uscita dei prossimi singoli.

D: Vi siete conosciuti facendo parte della crew o avevate già dei trascorsi comuni?
R: Ci siamo conosciuti prima, ad una serata tra amici in comune, abbiamo sin da subito stretto un legame che con il passare del tempo ci ha reso quello che siamo oggi.

D: Com’è l’attuale condizione del rap, in Italia? E voi a quali artisti e scena vi rifate maggiormente?
R: Il mercato musicale è saturo, siamo immersi in nuovi artisti che ogni giorno provano a fare di più, allo stesso tempo vedo molta uguaglianza, tanti artisti che si assomigliano sotto ogni aspetto artistico.

D: Che temi affrontate nell’album?
R: Nell’album abbiamo affrontato temi come il tempo, l’amore, la vita, la morte. Abbiamo cercato nella scrittura di essere il più comprensibili possibile a tutti, pur essendo argomenti astratti e macro.

D: Dopo il fervore di testi in qualche modo impegnati degli anni ‘90 (penso a “Quelli che benpensano” o anche a molti brani di Caparezza) c’è stato un abbassamento di qualità, in quanto a tematiche, di anno in anno, nella musica di largo consumo: che ne pensate del disimpegno imperante all’interno della musica mainstream italiana attuale? Come mai avviene ciò e a chi è imputabile la colpa?
R: Non c’è un colpevole, c’è un cambiamento, le persone adesso sono sopraffatte dalla musica, il mercato è veloce, velocissimo, e la musica non viene più ascoltata come prima.

D: Torniamo alla vostra crew: ce la presentate?
R: Fabio Morabito, Erik Lombardo, Francesco Maulicino, loro sono il fulcro del nostro progetto, a cui noi dedichiamo ogni piccolo traguardo. Hanno creduto in noi dal giorno 0 e lo fanno ogni giorno fino a quando l’obiettivo non sarà raggiunto, oltre questo sono anche fedeli amici su cui puoi appoggiarti sempre, perché siamo Vero x Vero, l’uno con l’altro, sempre.

D: Una peculiarità dell’album è che inizia con la traccia “Outro” e finisce con la traccia “Intro”: come mai questa inversione?
R: “Intro” è stata decisa come traccia finale perché è la partenza del messaggio che abbiamo voluto lasciare a chi ha ascoltato questo album. Poi il tempo è relativo, siamo partiti dalla fine del nostro viaggio per arrivare all’inizio di uno nuovo.

D: Progetti attuali e futuri?
R: Sicuramente fare uscire nuova musica, presto, prestissimo.

D: Salutate i nostri lettori.
R: Un Saluto a tutti, Santo e Stone.

“Sereno, leggero, bianco, un po’ vintage”: Voza ci presenta la sua “Valentina”

D: Ciao, Voza: prima di tutto presentati ai nostri lettori.
R: Ciao! Sono nato e cresciuto in un ambiente straripante di musica, che mi ha accompagnato in ogni fase della mia vita. Il mio strumento è da sempre stato la batteria, che ho studiato dai 6 ai 14 anni. In questo tempo ho suonato di tutto, spaziando dal rock al punk, dal jazz al blues. Sono passato poi al piano per necessità artistica ed infine al canto. Ho cominciato a suonare dal vivo all’età di 11 anni. Da lì in poi, ho avuto varie esperienze come batterista in contesti musicali molto diversi. Ho incontrato Maurizio Sarnicola dello studio Goldmine Records con il quale ho lavorato a vari dischi di artisti della mia zona e non; e poi Erin K, cantautrice anti-folk conosciuta qualche anno fa, con cui ho avuto la possibilità di suonare in giro per l’Europa tra Berlino, Londra, Amburgo. Insomma, ho fatto varie esperienze come musicista prima di arrivare a “Valentina”, con la curiosità di vedere dove questo percorso mi porterà, come mi trasformerò.

D: Esordisci con il brano Valentina”: come lo descriveresti? Convinci i nostri lettori ad ascoltarlo.
R: Sereno, leggero, bianco, un po’ vintage. “Valentina” non è solo il primo brano pubblicato, è anche il primo a dare una direzione concreta al mio nuovo percorso artistico. Scritto per gioco ma anche per necessità, ha poi acquisito forza e identità che non mi aspettavo. Ascoltarla e cantarla oggi mi fa sorridere, ma soprattutto, mi ricorda quanto sia importante, spesso, non prendersi troppo sul serio.

D: Parlaci della peculiare copertina, te che prendi appunti, vestito elegante, con una banana in mano e una barchetta di carta sul block notes, un sintetizzatore, uno smartphone, un bicchiere di whisky.
R: L’idea è partita dal mio amico e manager Stefano, della 455 MGMT, che mi accompagna in questo percorso da ormai 5 anni, il quale ha pensato di giocare ironicamente con la mia immagine. Metterci tutto quello che non sono. Credo di non essermi mai messo un abito elegante in vita mia se non in quella occasione. La banana è pop e la carta, così come l’origami, ci trasmetteva molta leggerezza. Gli altri oggetti non hanno un significato specifico, ma occupano bene lo spazio, non trovi?

D: Parlaci, invece, del video: com’è nato?
R: Abbiamo rilasciato la canzone a metà primavera, volevamo quindi realizzare un video divertente, quasi ironico. Così che, dopo averlo visto, non può che uscirti un lieve sorriso sulla faccia. L’amore possiede qualcosa di magico, ti fa volare, sognare. Volevamo trasmettere la stessa sensazione. Hai notato la signora, il suo sguardo che sorride verso la fine del video, mentre danza con il compagno? Meravigliosa.

D: A chi ti sei ispirato principalmente per la stesura di questo brano? Sia a livello di songwriting che di arrangiamenti.
R: “Valentina” ha visto la luce in un periodo in cui ascoltavo molto Gino Paoli, così come tutta la musica leggera italiana dei ‘60-‘70. Credo che mi sia lasciato molto influenzare dal suo scrivere e cantare. Anche se il primo approccio alla musica italiana, nonostante sia cresciuto con ascolti internazionali, classici e soprattutto appartenenti a culture lontane da quella occidentale (come la musica balcanica, turco-greca, africana) l’ho avuto da piccolino con un disco che mi sta tanto a cuore: “Fleurs 2” di Battiato.

D: Tu, oltre ad essere compositore e arrangiatore, sei anche polistrumentista: immagino tu abbia registrato tutto da solo. O ti sei affidato anche a qualche musicista esterno?
R: I brani li ho scritti ed arrangiati io, ma dopo una prima fase di stesura è iniziato un rapporto artistico con Jacopo Sam Federici con il quale abbiamo sviluppato le idee che oggi ascoltate.

D: E proprio Jacopo Sam Federici si è occupato di registrazioni, mix e mastering sono a cura di: mi chiedevo se gli hai lasciato totale carta bianca o se hai anche tu dato suggerimenti sul da farsi.
R: Jacopo si è mostrato subito entusiasta del progetto. Ci siamo confrontati sulla direzione, sul sound, su varie reference, ma ho preferito fargli fare il suo lavoro e scoprire cosa la sua testa ed il suo cuore avrebbero concepito.

D: Hai avuto varie esperienze allestero: ce ne parleresti, anche sottolineando in che modo queste ti hanno formato/influenzato, rendendoti quello che sei oggi?
R: Si, mi sento grato per aver conosciuto vari artisti che mi hanno portato in giro per l’Italia e l’Europa. Erin K, come dicevo, che mi ha introdotto all’anti-folk, al cantautorato indipendente inglese, attraverso la quale ho conosciuto musicisti e persone splendide. Bettina Koster, cantante del gruppo storico punk berlinese Malaria! che mi ha portato ad esibirmi al Festival Internazionale del Cinema di Berlino, oltre che a conoscere Ingo Krauss, produttore e fonico di molti artisti tra cui Gianna Nannini e gli Einstürzende Neubauten (band noise/industrial tedesca). Bianca Jackowska, cara amica che ho conosciuto nel mio Cilento con la quale ho suonato alla filarmonica di Cracovia. Tutte esperienze che mi hanno restituito qualcosa.

D: Come dicevo, sei arrangiatore e polistrumentista e, in questa veste, hai già collaborato con alcuni artisti, fra cui la già citata Erin K, Martino Adriani e I Dolori del Giovane Walter: ci parli un podelle tue esperienze a lavoro, appunto, con altri artisti?
R: Martino e I Dolori sono due realtà della mia zona con i quali ho avuto il piacere di collaborare tramite lo studio Goldmine Records di cui ti parlavo prima. Con Martino sono stato in tour alla batteria, pianoforte e voce in giro per l’Italia, mentre con i Dolori del Giovane Walter ho collaborato come arrangiatore nella pre-produzione. Tutte queste esperienze mi sono servite a sviluppare una grande autostima per le mie capacità.

D: Questo primo singolo farà da apripista a un album? Se si, ce ne parleresti?
R: La strada per approdare ad un album è lunga e tortuosa. A questo singolo ne seguiranno degli altri già in programma.

D: Progetti attuali e futuri?
R: In programma c’è l’uscita dei miei prossimi singoli che dovrebbe avvenire entro la fine dell’anno. Inoltre sto preparando un live set alternativo in cui suonerò da solo in una combinazione acustico/elettronica. Ma purtroppo al momento non sono autorizzato a rilasciare dichiarazioni hihihi 😉

D: Saluta i nostri lettori.
R: Un saluto e un abbraccio grande grande. Grazie per il vostro tempo e la vostra attenzione.

“Umili parabole che tentano di intercettare suoni e corrispondenze invisibili che viaggiano tra le correnti eteriche”: intervista ai SounDelirio

D: SounDelirio: prima di tutto, presentatevi ai nostri lettori.
R: Ciao. Siamo Francesco e Alessandro. Due tipi che hanno bisogno di fare musica. Nelle notti di plenilunio ci trasformiamo nei SounDelirio. Umili parabole che tentano di intercettare suoni e corrispondenze invisibili che viaggiano tra le correnti eteriche.

D: Il vostro album d’esordio è “Mostralgìa”: come lo descrivereste?
R: Un’antologia di personaggi-limite, mostri poetici, descritti con tutti i colori della gamma, dalla rabbia alla melanconia. Un omaggio alla musica rock senza tempo, quella che ci ha da sempre ispirato. Un’urgenza di tirare fuori il nostro più profondo urlo interiore.

D: Cosa significa il titolo dell’album?
R: Il dolore del mostro. È un neologismo, un gioco di parole tra monstrum ed algos. Latino e greco. E il concetto dovrebbe essere chiaro. Ci interessiamo alle lacrime degli emarginati. Autentiche e piene di poesia.

D: Nonostante non si direbbe, data la matrice della vostra musica, non siete una band completa, ma un duo: come mai questa scelta? E come ovviate alla cosa, durante i live?
R: Il nostro modo di scrivere, arrangiare, suonare parte da un momento totalmente intimo e personale. Un pensiero scritto di getto sul tovagliolo, in un pub. O di notte, svegliandosi e prendendo la chitarra in mano. Sono emozioni in musica e parole che devono essere trasformate in un corpo. Questa è l’alchimia iniziale che ci fa funzionare. C’è il regista (Francesco) e l’attore (Alessandro). In quel momento creativo, non c’è posto per altro, siamo al completo. Nel disco, per la sezione ritmica, ci siamo affidati a due musicisti straordinari. E contiamo di fare così, anche per i live.

D: Dicevamo che siete un duo, entrambi con alle spalle un ampio bagaglio di esperienze: vi va di parlarcene?
R: La musica rock ci accompagna sin da adolescenti. Tante band di provincia. Ma alla fine la musica è diventata qualcosa di più intimo. Un bisogno di trasferire il “dannato vivere” ed i suoi traumi sul binario dell’arte. Lì ogni dolore trascende verso qualcosa di bello, autentico. Noi facciamo rock perché è il nostro modo di raccontare chi siamo. In questo senso, crediamo di avere qualcosa da dire. Così che ogni brano diventi una pagina di un diario personalissimo. Solo con la maturità abbiamo compreso cosa veramente vogliamo dire. Cercheremo di farlo.

D: Quali sono le vostre principali fonti di ispirazione? Sia a livello musicale che testuale.
R: Le grandi voci e i grandi cuori (Jeff Buckely, Layne Staley, Chris Cornell, ad esempio), il grande ed immortale metal inglese, il Maestro Battiato, il rock americano… ma anche tanta musica “emotional” come Hans Zimmer, Einaudi, il post-rock… Poi c’è l’amore sconfinato per la letteratura e la poesia. Edgar Lee Master, Alda Merini, Charles Bukowski, Philip K. Dick, Italo Calvino… potrei continuare all’infinito… E il cinema… lode a Kubrick, Fellini, Fincher, Shyamalan…

D: Di cosa parlano i vostri i testi e quali sono le tematiche che più ci tenete arrivino ai vostri ascoltatori?
R: Creiamo metafore, storie, personaggi. Nella speranza che provochino qualcosa, una vibrazione, un tocco, anche sfiorato, alle corde profonde degli ascoltatori. Crediamo che l’empatia sia il metro con cui dovrebbe essere misurato ciò che è un autentico essere umano. E il banco di prova è con chi è differente da te. Il nostro sound vorrebbe dare potenza e vigore a questo semplice messaggio. Vuoi vivere in un mondo migliore? Apri le mani, abbandona il controllo e dedicati a chi ne ha bisogno.

D: Progetti attuali e futuri?
R: Sopravvivere e… un nuovo disco! Abbiamo iniziato a lavorarci…

D: Salutate i nostri lettori.
R: Stay rock!!!

“I would buy the biggest fucking speaker in the world, tie Kim Jong-un, Donald Trump and Putin in a package and play recordings of works explanation from Swedish anxious art college students at the highest volume for seven years”: a chat with Roosen, from Ljug Aldrig

Q: Hello, Roosen! You are the vocalist and songwriter of band Ljug Aldrig: what makes u play music?
A: It’s just a consequence of a need combined with the fact that I had restless fingers stuck on an instrument.

Q: Who are your biggest influences?
A: Hmmm… Amy Winehouse. the “Bleach” album by Nirvana. The Them…

Q: Was there a moment when you decided, that you realised that that music was something you wanted to do?
A: No, not at all. It just came out. I like to write and play with words. My mom had a guitar and that was the only instrument around. It started up with a tone then the lyrics came to it and that was the first song. So I mean, the genre, I mean the words I had in my head, and what came out with the guitar well recorded sounded very much different then the song in my head. It came out as rock music. I wasn’t really prepared for that. But my influences comes from songwriters. Words that saved me in my youth, like Neil young saved me with his words through anxiety to get some hope when everything was dark.

Q: I noticed that you went to school for art: how do you compare music to visual art? And do you have a preference?
A: Today it’s a big difference cause I’m a lot more nerdy with art. I have more preferences. Or what do you say. I’m more destroyed when it comes to art. I’m so deeply rooted. My interest is all up in my own ass. And with music, I do not know much about it. And it has always been something I have done alongside art and it has been very simple in comparison with that. And it’s quite liberating. And that’s hopefully how those I play with feel too. These musicians are very talented. And that we play songs on 3, 4, 5 chords makes it pretty damn good.

Q: So how would you compare visual to audio art in general?
A: Well, it springs from the same source. It’s just different expressions.

Q: So you don’t have a preference? You just do both? What do you like to do more? How does it compare? Are there differences in what you get out of it?
A: I have a much much simpler relationship with music. It is a relaxing exercise. The singing itself. You create vibrations for the body. My art is very quiet. That is its strength. But with songwriting, it’s like a diary. like I can take a photograph of a feeling and get it down to a song. While with my art, it has become more of a work. It’s ruined in a way.

Q: What’s your writing process?
A: It always comes from strong emotions. That’s special with the music. Most of it comes from… almost all songs are about love. It’s actually a very strong difference from my art. It is such a direct channel. I collect, writes down a sentence here, something I came up with there. Something I want to say to someone. To everybody! And then that happens continuously for a period and then you sort of get together a text that is really about the same thing and it becomes a little story. But music has always been like that, you are depressed over a relationship and then you write a song about the mess, or four or five songs.

Q: Are there any moments where music changed you forever? And if so, can you name a few?
A: Yes, easily. When someone said “Steal a little and they throw you in jail, steal a lot and they make you king”. Or, “I love you so much it makes me sick”. Or, “And just when I was sure that his teachings were pure He drowned himself in the pool”. Or, “Love is a loosing game”. Or, “I cried for you, now its your time to cry over me”. That someone else could confirm me in my feelings. Or the first time you plugged in an electric guitar and it just screamed out in the speakers and we play at “The music and arts festival” and there are hundreds of people passing by. And we pour out my private words together with damn good musicians.Out through speakers so it just screams over one area and everyone has to listen. Lol. they have no choice.

Q: Ahahah!
A: Cause we have fucking speakers. It was a real game changer. But then also when I listened Roy Orbison when I was a kid. It’s just some satanic magic there that changes one from within. I learn the lyrics as an adult. Listened to Roy the other day. Remember I stood there as a kid and danced a slow dance with my buddy Gustav when we were seven because we would practice to dance with the girls. And Roy sings, “Everyone you know’s been through it. You bite the bullet and then you chew it ”. So, it went right in. But today you understand that it is about a love problem, But then it was just completely abstract. But it just went right in.

Q: What’s the first record you ever bought?
A: Backstreet Boys.

Q: Backstreet Boys?
A: Yes, it was Christmas, and I got to choose one from a pile. Had never heard the shit.

Q: Why is Sweden so successful in music?
A: I have no idea. Not a fucking clue.

Q: If you could guess?
A: Maybe we get good music growing up? Cause we’re apparently good at it? But I do not know how it started. Maybe it’s the climate? There is a lot of anxiety. I think it’s a degree scale. If you look at Russia as very red white and blue. Then it melts a little in Finland. And then it thaws a little more in Sweden. And then maybe it thaws a little too much in Denmark? Lol. Then another element steps into Germany. So maybe there’s an intermediate position there.

Q: If you had all the recourses in the world what kind of record would you make?
A: Oh. Then I would pull in an early Paul Kalkbrenner and do some rough fucking german minimal techno beat lying in the background. Then I would pull in David Sandström, Refused drummer, and put his beat over. I would like to have Mdou Moctar bassist and Bad brains lead guitar very subtle in the background. Alex Zethson on keyboard and Elliphant as melody influence, and eight of her friends in a Cohen choir. Then WDL, Johan Wedel as producer, who could rearrange my already written songs.

Q: If you were to commit a serious crime with music. how would you do it?
A: I would buy the biggest fucking speaker in the world, tie Kim Jong-un, Donald Trump and Putin in a package and play recordings of works explanation from Swedish anxious art college students at the highest volume for seven years.

Q: Who of all the famous pop artist now, who do you like? Who is the guilty pleasure?
A: Hmmm… Adele Och Sam Smith.

Q: In what way has music changed you?
A: I think it’s impossible to answer that.

Q: Just one way. The best way.
A: You meet people, like-minded. I have met people through music. It’s so fucking crucial. Girls at bars. Friends you play together with. It’s so fucking… Damn how big it is music then. It’s totally fucking insane.

Q: What advice would you give to someone who wants to put out their first single?
A: I have no idea, I just released my own first single.

Q: You have to name one.
A: Do it! it’s lots of fun!

Q: No advice?
A: Do not be so fucking serious.

Q: Is there anything else you want to say?
A: I’m single.

Q: You are single and have dropped a single?
A: Hahahahahahah

Interview by Joshua Atlas

“Il fenomeno dell’immigrazione è un’opportunità su cui bisognerebbe impegnarsi”: intervista a Tiberio Ferracane

D: Tiberio Ferracane, un musicista dalle radici tunisine e siciliane a Torino: come convivono in te e, conseguentemente, nella tua arte, tutti questi posti, queste culture?
R: A casa mia questa differenza non l’ho mai sentita. Era naturale sentire parlare più lingue, leggere e ascoltare musica con estrazioni culturali differenti e mangiare la domenica il cous cous anziché un piatto di pasta con le sarde. Nell’arte è stato più complesso, avevo già scritto in gioventù anche in francese, ma era sporadico e non c’era stata l’evoluzione del mio essere artista oggi.

D: Più in generale, come ti descriveresti, come persona e come artista?
R: Oggi non ho più paura intanto a definirmi artista: c’era una sorta di timore reverenziale prima. Oggi sento questo mestiere come fossi un artigiano, un muratore che tira su un muro dritto, un falegname che sa fare una bella sedia comoda. Sono curioso, e mi piace cercare tra le pieghe delle mie inquietudini e gioie.

D: Torni, oggi, con un nuovo album, “Magaria”: ce ne parli, brevemente?
R: “Magaria” è un po’ l’album della vita, l’ho curato in ogni particolare. Non volevo parlare della comunità degli italiani di Tunisia in modo diretto, volevo fare arrivare il profumo, volevo fare arrivare le rotte del Mediterraneo, che si ripetono da sempre. Volevo che si parlassero più lingue, volevo che i suoni non fossero definiti di una cultura, ma volevo che si sentissero i respiri di questo meraviglioso mare.

D: Il sottotitolo dell’album è “Un viaggio nel Mediterraneo. Ogni porto è casa mia”, attitudine che fa anche un po’ parte della storia della tua famiglia: cosa ne pensi del fenomeno immigrazione (soprattutto in Italia), anche alla luce del sistema economico in cui viviamo, calato in un contesto globalizzato?
R: Vedete, il fenomeno dell’immigrazione è inarrestabile, ne siamo stati protagonisti e lo siamo ancora per la nostra particolare conformazione geografica. Noi tendiamo al sud, all’Africa, e l’Africa a noi. La nostra cultura è viva di colori e profumi arrivati da lontano. Non sappiamo cogliere la grande opportunità che c’è con l’arrivo di altre culture, e non parlo di certo solo della forza-lavoro. Parlo di nuovi linguaggi, nuove prospettive, nuove rotte. Il fenomeno dell’immigrazione è un’opportunità su cui bisognerebbe impegnarsi, e non parlo di facile assistenzialismo per pulirci la coscienza. Ma di nuovi mondi, nuovi modi, insomma un nuovo tempo.

D: “Magaria” è dedicato a Philippe Troisi: ci parli di lui?
R: Philippe Troisi è stato un incontro fortunato che nasce dalla pandemia. Mio cugino Lorenzo Ferrigno, che vive a Marsiglia, di genitori nati a Tunisi come i miei, mi aveva annunciato che doveva assolutamente presentarmi questo chitarrista marsigliese di talento. Philippe nasce a Marsiglia, con la mamma di Barletta e papà di origini napoletane. Viene cresciuto dal nuovo compagno gitano della mamma, ecco che la chitarra di Philippe prende tutte le sfumature possibili. Blues, jazz, funky, jazz manouche, flamenco. In breve tempo cominciamo a collaborare insieme e pensiamo ad un disco con miei e suoi brani, e cover. Volevamo raccontare la musica degli immigrati italiani di Marsiglia. Philippe in Francia è punto di riferimento per il suo indubbio talento e ha accompagnato, uno su tutti, Pavarotti. Purtroppo, poco prima di cominciare le riprese del disco è venuto a mancare. Ma non il suo spirito e le sue chitarre, recuperando pezzi e brani inediti, grazie alla figlia Cecile Troisi che mi ha permesso di usarli, sono all’interno di questo disco a lui dedicato.

D: “Magaria”, ai brani inediti, accosta delle reinterpretazioni di brani a cui sei legato: ce ne parli? Quali sono e come sono stati scelti?
R: Il disco è diviso in due parti: nella prima ci sono brani composti da me e nella seconda cover. Quest’ultimi volevo fossero la colonna sonora dell’album, volevo tracciare con i brani un periodo storico. Ecco quindi “U’pisci spada”, “L’italien” di Serge Reggiani, italiano naturalizzato francese e molto amato in Francia, che racconta la difficoltà del rientro a casa da immigrato, “Un’ora sola ti vorrei” del 1938 o “Storia d’amore”, successo di Celentano. Volevo cantare in più lingue e dialetti, volevo tracciare un percorso ideale, anche qui, di genti e culture.

D: Leggo che hai avuto anche un periodo punk/new wave: ce ne ne parli? E ci dici come questi ascolti hanno influenzato il tuo modo di scrivere musica?
R: A Torino, a fine anni ‘70, inizio anni ‘80, c’è stato un grosso fermento legato al mondo punk, alle case occupate ad un nuovo modo di fare musica, diretto, cattivo ma anche ironico, potente. Io all’epoca frequentavo il liceo e conobbi Luca “Abort” Bortolusso, esponente torinese del movimento punk: fece parte dei Blue Vomit, Nerorgasmo. Roba tosta. Io ero giovane, con la curiosità discoprire nuovi modi, nuovi mondi e la supponenza di poterlo fare. In verità m’innamorai di più della new wave. E cominciai i miei primi passi proprio nella sperimentazione, tra l’altro già all’epoca composi brani cantati in due lingue: francese e italiano. Quindi fu un passaggio fondamentale nella crescita artistica.

D: Più in generale, quali sono le tue principali fonti di ispirazione? Gli artisti a cui ti rifai?
R: Ogni stagione della mia vita ha avuto fondamentalmente un movimento o, meglio, un artista. Partendo dai cantautori francesi, grazie a mio papà, o ai nostri Luigi Tenco, Bindi, Fossati, Conte, o anche la musica elettronica, Jean-Michel Jarre, Craftwork. Ora sono affascinato da tutto quello che viene contaminato, il futuro è quello! Ne sono certo, o forse lo spero.

D: A livello testuale, invece, quali sono le tematiche di cui più ti preme parlare?
R: Ho parlato invariabilmente dell’amore, così come in quest’ultimo di tematiche come l’immigrazione. Ma la verità è che la formula che prediligo nella canzone è raccontare storie. Io credo che la domanda che dovremmo porci noi che ci viviamo di questo mestiere è se abbiamo qualcosa da raccontare, se può interessare e come farla arrivare.

D: Qualcosa da aggiungere?
R: Questo disco, “Magaria”, ha dentro un racconto, una storia. È una storia antica, una storia d’immigrati e profughi. Se volgiamo, anche del loro riscatto. E, comunque sempre liberi, mai veramente appartenenti ad una terra davvero. Oggi le cose non sono cambiate molto. Forse, un giorno, chi arriva con un barcone dall’Africa racconterà la sua storia come io ho fatto con quella della mia gente. Conoscere è un primo passo per capire ed apprezzare.

D: Saluta i nostri lettori.
R: Grazie davvero per le vostre domande, un caro saluto. Buona Musica e buona vita. Un abbraccio!

Michaela Betts tells us about her new EP, “Ripe Fruit”, a suite of 5 cinematic folk songs with strong narratives based on key moments in her life

Q: Hello, Michaela: what inspired you to start writing songs?
A: I always played songs by ear on the piano (before I had piano lessons). I would listen avidly to the radio and memorise the chords and melodies, then spend a while working them out. I started proper piano lessons at the age of 6 and started writing songs from that point. My parents were folk musicians so there was always music in the house. My dad is a big Joni Mitchell fan so I was exposed to every album of hers, also James Taylor, Carole King, Joan Baez. My favourite albums as a kid were classic Disney, “The Stranger” by Billy Joel, “Sgt. Pepper”, “The Kick Inside” and I used to belt out “Woman In Love” and pretend I was Barbra Streisand – I learned how to add vibrato to my voice whilst mimicking her! Other early influences were “Never Let Her Slip Away” by Andrew Gold – the melancholy vibe of this really captured me. I also adored the soundtrack to “The Black Stallion” directed by Carmine Coppola. I spent days working out how to play each piece of music on the piano – especially the “Black Stallion” theme that plays over the end credits with The Black and Alec dancing on the sand. In my mind, this is the most beautiful film every made.

Q: Who are your biggest musical influences?
A: I’m just going to reel off a spontaneous list here, in no particular order (and no doubt I’ll forget a few!): Prince, Stevie Wonder, Andrew Gold, The Doors, The Pixies, Carmine Coppola, Mozart, Schumann, Schubert, Faure, Tchaikovsky, vintage Disney, Rodgers & Hammerstein, Adam Guettel, Kate Bush, Joni Mitchell, Billy Joel, Louis Cole, Jordan Rakei, DJ Food, The Bird and the Bee.

Q: What is the story behind “The Rose”?
A: When I was six, living in this sprawling house in Yorkshire, one day the phone rang. On the end of the line was a creepy paedophile guy. While everyone else was outside enjoying the summer, playing cricket, I ended up being groomed and blackmailed, and told horrible things by this guy, who totally messed with my head. Everything in that moment went from blissful sunny day, to me being jolted out of my life. The song is “Little Red Riding Hood” going into the woods and meeting the wolf. In the song the cello (played by Sophie Gledhill) is something lurking in the water, it has a weeping quality, full of emotion. This works with the industrial loops, a grown-up take on a Grimms’ fairy tale.

Q: Describe your writing process.
A: I never write lyrics first, always music. I will have a vague concept of mood that I want to capture and a sense of the tempo and vibe. I have this daily ritual where I record the first thing I play on the piano. I keep all of these clips and reference them as some turn into songs or compositions. I tend to come up with melodic hooks when I’m driving (I love to drive) and have written songs whilst stuck in traffic in London. I have a voice memo of me singing intelligible gobbledygook whilst stuck in traffic in the rain – the windscreen wipers are making a rhythmic sound and I’m humming the melody to what became my song “When You Fall” (from my musical “When the Lights Come Up”). I do write lyrics independently but only after I have locked down the chords and melody.

Q: “The Rose” is part of an EP, “Ripe Fruit”: tell us more about this.
A: “Ripe Fruit” is a suite of 5 cinematic folk songs with strong narratives based on key moments in my life, like markers. It’s my own mini “Songs in the Key of Life” really. Each song tells a story which unfolds as the song progresses. We had a tiny budget and did the majority of the arranging and production during lockdown. Jon (my partner and producer) made the decision to keep production and instrumentation to a minimum to save on time (although it still took ages!) and to make these elements as high quality as possible within the resources available to us. I would love to revisit the EP further down the line and do a full on, big budget version of the songs, but who knows maybe they are perfect the way they are? Initially we were going to do piano / vocal versions but the songs felt cinematic and I wanted a sense of the sonic landscape and universe that they inhabit.

Q: You told us that you have started working on your first single: what can we expect?
A: I wrote a song 5 years ago about being persecuted for your beliefs and being stripped of your values and sense of self. This is now turning into my first single as it is has those dark Disney vibes that listeners seem to like so much about “The Rose”. The song holds up well just with piano / vocals, which is always a good sign. I would describe it as epic, cinematic, ethereal and dramatic with a big chorus. I am definitely finding my groove more as a solo vocalist. I will be launching a Kickstarter campaign to raise a proper budget for this so we can take the vocals and production to the next level (watch this space!).

«L’artista è colui che pensa prima a ciò che ama fare, più che a trovarsi un “vero” lavoro»: intervista a Anna Romaldini

D: Ciao, Anna: prima di tutto presentati ai nostri lettori e spiegaci com’è nata la tua passione per la musica.
R: Sono una persona unica, come ognuno di noi, che cerca di valorizzare la propria unicità esprimendosi attraverso i propri talenti, cercando di realizzare i propri sogni continuamente. Sono un’artista, una cantante, una cantautrice, una vocal coach, una musico-terapista e anche una designer; gestisco una scuola di musica… ma non solo. La mia passione per la musica è nata in modo molto naturale, come quella per il disegno: ascoltavo le canzoni e cantavo spontaneamente sopra senza chiedermi perché e anche senza nessuno che mi dicesse “Brava, perché non vai a X-Factor?”. Credo che la mia passione per la musica sia nata quando mia madre, da piccolissima, tentava di addormentarmi senza alcun successo facendomi ascoltare la sigla di Sandokan (che è tutto, fuorché rilassante) e cantandomi “E la luna bussò”, della mitica Bertè. Ho avuto così modo di farmi i miei primi ascolti notturni di musica anni ‘60, ‘70 e ’80.

D: Che genere di musica ascolti?
R: Ascolto veramente di tutto, dal jazz al metal passando per i raga indiani. Credo che ogni genere, se prodotto con qualità, debba essere ascoltato. Il nostro gusto personale ci indirizzerà chiaramente, ma la musica bella va saputa riconoscere indipendentemente da ciò che ci piace o meno personalmente.

D: Quali sono i cantanti che hanno maggiormente influenzato il tuo percorso artistico?
R: I cantanti che mi hanno influenzato maggiormente sono Linda Perry, Freddie Mercury, Dolores O’Riordan, Steven Tyler, Chris Cornell, Eddie Vedder, Anouk, Skin, Carmen Consoli, Anastacia, Amy Winehouse, Alicia Keys, Whitney Houston, Bon Jovi, Christina Aguilera, Elisa.

D: Ricordi quando hai scritto la tua prima canzone?
R: Ho scritto la mia prima canzone verso i 14 anni. Ricordo che stavo per dormire, ero sul mio letto, sentii per la prima volta il portale delle creatività aprirsi per me, presi un foglio, scrissi un testo in inglese e mi arrivò subito la melodia in testa. Da lì, ho cominciato a fare canzoni accompagnandomi con la chitarra. Il quadernino magico delle mie prime canzoni andò perduto, è stato veramente un dispiacere.

D: Come definiresti la tua musica?
R: Scrivo cose diverse tra loro, ho 3 progetti completamente diversi. Sicuramente originale nel caso di Visionarya, riflessiva ed energetica nel caso di Anna Romaldini, malinconica nel caso di Tyta Eden, anche se con questo pseudonimo ho scritto prevalentemente dance, house.

D: C’è qualcuno che, inizialmente, ti ha supportato o ostacolato in questa avventura?
R: Assolutamente sì. L’artista è colui che pensa prima a ciò che ama fare, più che a trovarsi un “vero” lavoro. Questo, da chi non è un artista, non viene compreso per niente. Chi ama ciò che fa non lavora neanche un giorno della sua vita. Chi crede nei propri sogni e non molla, può vivere grazie alla propria arte. Ci sono riuscita, e sono felice di non aver mai abbandonato la Dea Musica.

D: Quali sono i tuoi hobby e interessi, al di là della musica?
R: Adoro studiare, sono un topo di biblioteca… leggo libri di meditazione, medicina alternativa, disegno, scatto foto, adoro stare con i miei cani e a contatto con la natura. Sono vegan, adoro la vita sana, faccio sport costantemente, adoro il mare e non potrei vivere dove non c’è.

D: La tua ultima canzone è “Ignara”: com’è nata?
R: “Ignara” è un pezzo che ho scritto tanto tempo fa, che ho riarrangiato in questo periodo e che si riferisce a un amore adolescenziale, a un episodio molto surreale che ho vissuto. È una canzone a cui sono molto affezionata. È uscita in due versioni, italiano e inglese, come molti dei miei brani. La versione inglese si chiama “For You”. Ho coniato il termine “Mirror Single” l’anno scorso, quando è uscito il singolo “Petrolio”/“Oil”, i cui videoclip erano uno lo specchio dell’altro, due visioni della stessa storia, oltre che la stessa canzone in due lingue diverse.

D: Quale canzone, tra quelle che hai scritto, ti rappresenta di più?
R: “Over Black and White”/“L’Equilibrio” è un po’ la mia visione del mondo e della realtà. Viviamo in un mondo duale, ma il nostro scopo è trascendere le polarità prendendo una terza posizione, neutra, da osservatori, senza essere preda di ciò che ci circonda, nel bene e nel male.

D: Quale messaggio vorresti mandare con la tua musica?
R: Vorrei stimolare le persone a riflettere, a evolversi, a sentirsi libere, sviluppando il proprio potenziale con amore, senza paura.

D: Progetti futuri?
R: Sto continuando a scrivere e, a breve, uscirà un nuovo singolo, che è già pronto. Uscirà a breve anche l’album di Visionarya. Entro l’anno vorrei far uscire un nuovo disco come Anna Romaldini e sto pensando cosa far cantare a Tyta Eden, l’altra mia anima musicale. Dovrei avere qualche vita parallela, per realizzare tutto ciò che ho in mente, ma sono sicura che ci riuscirò.

“The songs aren’t about the pandemics, but the damage and psychological effects that we carried through these hard times”: a chat with Alex Palheta

Q: Hi, Alex! “No Land To Return” is finally out: can you talk about your new EP?
A: When I first came here, I’ve talked about “Brave” and how I made that song, but now, in another place in time, “No Land To Return” is released in a different context. The pandemics is receding, life is slowly getting back to “the way it used to be”, so this EP is like a portrait from the pandemics, a memory for all that we have lived. Maybe this is the point, it’s not a thing that is relevant today, but a part of history that was crystalized and brought to the center of discussions and maybe bring questions and thoughts about our lives during the pandemics.

Q: “No Land To Return” is only about the pandemics or there’s more in its concept?
A: The thing about “No Land To Return” is that the songs aren’t about the pandemics, but the damage and psychological effects that we carried through these hard times. “Brave” is about depression and how we can fight against it, “Freedom” is the search for new meaning in life and the fear of the world outside, “No Land To Return”, the song, is about our anxiety and the search for a better place to live, “Stay Inside” is the fear of being alone and to face these trying times and, in the end, “Red Roses”is about love, it’s the only song that’s not a part of the concept, but it is in a way, it’s complex to talk about it.

Q: There’s something personal in these songs?
A: Yes, a part of me is in every song of the EP, every theme there is a feeling that I experienced through these two years of the pandemics. Revisiting these songs are somewhat of a therapy session, it’s a point in time that I remember clearly, especially “Stay Inside”, I was sick during its composition, I thought that I would die, but fortunately I survived.

Q: What’s the next step for you?
A: Well, I have to promote this EP, maybe play it live if I have the opportunity. I’m recording an acoustic project like “Out Of Time”, something more lo-fi/homemade and I’m starting to shape the demos from the next work, a full length album with 10 songs that are ready to record, so I’m very excited to get back to the drawing board!